There are three types of performance projects the Art Monastery is producing:
1. Major theatre, music, and/or dance spectacles for international touring. Your site could be the place where it is developed and debuted or a site for a second performance.
2. Site-specific performances developed specifically for your site and interacting with local artists and community members.
3. Smaller concerts or performances of one-five Art Monastery artists when they are available. [See bio list for artists.]
Finally, it is also possible to host “The Art Monastery” for a period of time (from two weeks to a season), In this case, the Art Monastery artists and staff would live in your community and develop one or more of these projects, creating a festival of works in your site(s). Booking: julia@artmonastery.org.
Available projects and performances for 2009-2010:
La Clausura Sconfinata interweaves baroque music, Gregorian chant and modern dance in an innovative yet classic new show exploring the interplay between freedom and enclosure. The music and choreography of this interdisciplinary work explore the paradoxical inner richness of life within the cloister. Throughout the hour-long piece, the all-female cast of twelve musicians and dancers work together with one artistic voice to express the isolation, pain, joy, community, and discipline of the extraordinary women who live within the cloister. La Clausura premiered as the main event of Narni’s Corsa all’Anello Festival on April 25th, 2009. The sold-out show was greeted with a standing ovation. According to York University professor and expert on renaissance convent life Helen Hunt, the performance “continues to resonate.”
Personale: Julia Pond, Lori Belilove, Candace Smith, Beth Disharoon
Canticum Canticorum musically presents The Song of Songs as set by Early Baroque composers, and incorporates Middle Eastern instruments and dance. We have chosen the most expressive and passionate works from the period, 1583 to 1635, including the music of Palestrina, Monteverdi, Grandi and Schütz. Careful arrangement of the vocals move the narrative and character development forward. Our staging of the Song begins outside the palace walls when a beautiful young Woman rushes to bid her Lover farewell before joining King Solomon’s legendary harem that very morning. Once inside, she shares her dreams and fears for her love affair, arranges secret trysts, and recounts harrowing night visits searching the city for her love. The costumes and choreography—drawing on belly dance and Baroque gesture—combine to bring to life the overwhelming sensuality of an ancient Middle Eastern harem.
A new multidisciplinary piece that brings Dante Alighieri’s inner self and personal struggles to life through a combination of electronic and live music, theater, and dance. Artists like American poet Ezra Pound, and Argentinian poet Jorge Luis Borges, who were both deeply influenced by Dante, and the contemporary experience of the performers themselves also shape the piece. The score, composed by Phoebe Jevtovic and Nathan Rosquist, references the medieval music of Dante’s time while using a modern structure and contemporary technology. Creator, theater director and actor Germano Rubbi contributes his interpretation of the three artists Dante, Pound and Borges, while choreographer and dancer Julia Pond embodies the concepts he struggled with and loved.
Inspired by Bocaccio’s famous scenario, this multimedia installation is constructed to fit each space where it is presented.
When swine flu spread inexorably through the population leaving death in its wake, ten artists flee the chaotic streets of the city, locking themselves away in the country in a space which they call the Oekolos. Every night, they entertain each other with ten short performances telling stories of love, success and the evils of the age. But one thing is never mentioned: the intense outside reality of riots, starvation, disease and war that will probably kill them all. They don’t strive for a manifesto or a political message. They speak plainly of their world… one that may be gone forever.
Decamerone presents ten short performances each day featuring music, dance, poetry, theater and installation art, all presented within a contemporary catastrophe scenario: the crash of the capital markets. As they enter the space, audiences are welcomed by the artists into an alternate reality. With art installations forming its functional interior and transforming the space into an integrated decor, the Oekolos actively relates the space, the performers and the audience to each other. The audience witnesses the performances from within this alternate reality.
Whereas the Oekolos represents a shelter from disaster that is greater than most individuals can fathom, it is also a meeting place for people from different walks of life and culture. Boccaccio’s original Decamarone (1351), a framestory about the plague in medieval Florence, heralded a new era in Western Europe through its collection of critical and satirical stories told to us by ten young people who painted a lively picture of their world. This festival version of the Decamarone gives a powerful context for a diverse collection of short performances and sets up a stage for contemporary voices to speak.
Personale: Marije Nie, Regia. Rita Marcotulli, Direttore Musicale
An evening of itinerant site specific performance that animates each corner of a town with music, dance, and visual art. Different themes can be chosen based on the time of year or space where the Labirinto is presented. In Calvi for the summer of 2009, the theme “Tentazioni d’Estate is interpreted in various ways, which come together in an exciting combination of dream, comedy and pure music. Every scene is designed to be short but captivating, providing a pure experience at each moment, and calling the audience to find, as in a real Labyrinth, the right path.
Personale: Germano Rubbi (Regia) Christopher Fulling (Direttore Musicale)
Eugeen Liven d’Abelardo was born in Knokke aan Zee, Belgium in 1950. He received his musical education (organ, counterpoint & fugue) at the Royal Music Conservatories of Ghent and Brussels. In postgraduate studies, he specialized in both choral and orchestra conducting at the Music high school Köln and contemporary music in Basil, Stockholm and Rome. A major influence on Eugeen were his encounters with the legendary conductor Sergiù Celibidache, while studying Phenomenology of music both in Munich and Mainz. After his studies he became a conductor with the BRT-Brussels-orchestras and the Opera of Flanders in Ghent. In 1976 he founded the Flemish Mobile Ensemble, a specialized group for contemporary music and theatre. As a composer, he has been awarded various international prizes for choral composition. Living in the Netherlands, since 1987, he has been the music director of several choral groups. He specializes – returning to his youth love – in Gregorian Chant, directing the Schola Cantorum Amsterdam (weekly vespers in St.Nikolas Amsterdam), the Schola Gregoriana Hilversum and the professional ensemble “Hartkeriana” for recordings and festivals. From October 2005 he was appointed Guest Professor Gregorian Chant at the Graz University in Austria.
With a voice reviewed as “arresting, haunting, expressive, clear-toned, and sweet,” soprano Phoebe Jevtovic Alexander performs chamber music, early opera, and experimental music in the United States and abroad. She has appeared as a soloist with the Waverly Consort, American Bach Soloists, Musica Angelica, Magnificat, and North Holland Opera. Roles performed include Despina in Mozart’s Così fan tutte, Amphitrite in Locke’s Tempest, Cupid in Purcell’s Timon of Athens, and the title role in Rossi’s Orfeo. Phoebe is the featured soloist of the baroque ensemble La Monica, with whom she has appeared in international concert series such as New York’s Music Before 1800, Pittsburgh’s Renaissance and Baroque Society, Houston Early Music, and San Francisco Early Music Society. Also with La Monica, she has given acclaimed performances at the Amherst, Berkeley, and Boston Early Music Festivals. Among Phoebe’s other projects are the medieval ensemble Cançionèr; an art song collaboration with celebrated pianist Robert Thies; touring the US and Indonesia with Gamelan X (Balinese-inspired hybrid world music ensemble); and occasionally singing in Kitka, a Balkan women’s vocal ensemble. She has also recorded a wide range of repertoire for Nonesuch, Wave, and Gothic Records. Phoebe completed her Master of Arts degree in Early Music Performance at the University of Southern California, and has edited a book of solo songs by Tarquinio Merula that is due to be published by A&R Editions.
Ann Allen, dopo aver studiato musicologia presso l’Università di Manchester e l’oboe barocca e recorder presso il Royal Academy of Music, si è trasferita in Svizzera dove ha continuato di studiare gli strumenti presso la Schola Cantorum Basiliensis (Basel) Li, si è diplomato negli Studi Medioevali con una concentrazione nello shalme. Negli ultimi anni si guarda al futuro, lavorando con la musica electtronica e la musica etnica. Lavora inoltre come musicista freelance con diversi ensemble prestigiosi in europa e inghilterra. Come regista ha realizzato diversi opere liriche sotto il patrocinio del Ross Live Festival, UK, che incudono ‘Dido and Aeneas’ di Purcell , ‘Bastien and Bastienne’ di Mozart, e ‘Dragon of Wantley’ di Lampe, tutte a clamoroso successo. Studia danza barocca, rinascimentale e arabo, ricostruendo le strutture coreografiche dai quadri e testi storici. Dal 2004 produce il festival annuale Nox Illuminata, a Basel e nel 2008 lo porterà anche in Austria.
Direttrice artistica della Isadora Duncan Dance Company, la Belilove ha ottenuto un BFA in danza, religione e studi classici al Mills College a Oakland, California. Il suo lignaggio diretto e la sua notevole carriera le hanno conferito una reputazione internazionale come prima interprete e ambasciatrice della danza di Isadora Duncan. La Belilove ha danzato come solista al Oakland Ballet al Zellerbach Hall, UC Berkeley, alla conferenza degli studiosi della Society of Dance history a UC Irvine, ed è stata in tournèe con il suo spettacolo, come ballerina solista, attraverso tutti gli Stati Uniti. In qualità di insegnante specializzata, ha insegnato in istituzioni quali la harvard University, the Juilliard School, northwestern University, Ohio State University, Mills College, e lo Smith College. I lavori originali della Belilove sono stati rappresentati in tutto il mondo.
Onofrio Colucci ha appena terminato un contratto di due anni in esclusiva con il Cirque Du Soleil, il più importante circo del mondo, per il quale dal dicembre 2004 al dicembre 2006, si è esibito come guest-star nello spettacolo O, al Bellagio Theatre di Las Vegas. Il Chicago Tribune ha definito O “il più spettacolare e inventivo show del mondo”. Grandi personaggi del mondo dello spettacolo hanno voluto vedere lo show a Las Vegas ed esprimere personalmente il loro apprezzamento all’artista italiano per la sua particolare sensibilità e capacità espressiva: Steven Spielberg ha commentato “Tu sei assolutamente sbalorditivo!”; Harrison Ford ha detto “Sei talmente divertente che non riuscivo più a smettere di ridere”; Liza Minelli: “Il tuo cuore è una dolce trappola che ci tiene tutti sospesi”. Franco Dragone, il regista dello spettacolo, ha dichiarato: “Colucci sì che sa come muoversi in scena!”. Per l’artista si è trattato di un’esperienza estremamente positiva all’interno dello show business Americano in grande stile. Onofrio Colucci ha studiato teatro con artisti internazionali del calibro di Slava Polunin e Anton Adassinski. Colucci, ’enfant prodige’ del Nouveau Cirque, attualmente è considerato uno dei migliori clown emergenti nel panorama internazionale. Colucci proprio per le sue caratteristiche artistiche ha espresso le sue capacità in grandi produzioni internazionali che l?hanno di fatto portato per nove anni sui palcoscenici di tutto il mondo; in Italia ha avuto occasione di esibirsi due volte: nel dicembre 1998 al teatro Olimpico di Roma, e nel febbraio del 2004 a Torino dove ha conquistato ed entusiasmato il pubblico della Città interpretando, al Teatro Carignano, la parte del protagonista dello spettacolo Slava’s Snowshow, il clown giallo, un personaggio ironico e commovente, meditabondo, gentile e poetico. Colucci ha portato in scena questo personaggio prendendo spunto dalla malinconica poetica del clown di Slava Polunin, dalla raffinata filosofia della pantomima di Marcel Marceau, dall’umanità e dalla comica amarezza dei grandi film di Chaplin
Ballerina statunitense che vive a New York City, la Disharoon ha ottenuto un diploma dalla con lode dalla The Juilliard School. Ha danzato con Andrew Jannetti & Dancers, Robin Becker Dance Collective, Pascal Rekoert/ MidGetDance, Sue Bernhard/Danceworks, Saba Dance Theater, e J. Mandle Performance. Ha viaggiato in tournèe a livello internazionale con la Isadora Duncan Dance Company per cinque anni, interpretando e insegnando lo stile della Isadora Duncan. Inoltre, ha ballato con Jennifer Muller/The Works per gli ultimi quattro anni al Joyce Theater di New York, in Bolivia e in Tailandia. La Disharoon ha inoltre presentato la sua coreografia al The Juilliard Theater, The Clark Studio Theater, Alice Tully Hall e durante le sue serate alla Storm Theatre.
Christopher Fülling è un tenore specializzato nella musica del primo Barocco e dei canti Gregoriani, oltre ad essere direttore artistico di progetti teatrali tradizionali e sperimentali. Educato all’Institute of Arts di Princeton e a quello della California, si trasferì ad Amsterdam con una borsa di studio per ricercatore della Beebe Foundation nel 1999 per studiare canto barocco con Max van Egmond e Peter Kooy. Con il suo ensemble musicale (The Pacelli Project) e quello per i progetti teatrali (Canticum), come tenore diretto da maestri quali Gabriel Garrido, Eugeen Liven d’Abelardo, e Daniel Reuss, ha esplorato i vari volti delle rappresentazioni storiche nei concerti, oltre ad aver portato alla vita la musica barocca nel suo originale contesto liturgico mediante ricostruzioni rituali. Tradizione e avanguardia nella sua arte si fondono anche nel aver diretto grandi pièces musicali dal Burning Man del Nevada statunitense fino a Bali, dove tematiche simili si esplorano in contesti creativi radicali.
Nata a Roma nel 1959, Rita Marcotulli ha studiato pianoforte presso il Conservatorio di Santa Cecilia. Si interessa molto presto al jazz, e fra la fine degli anni Settanta e l’inizio degli Ottanta comincia a suonare professionalmente con piccoli gruppi, facendosi notare dalla critica per il tocco delicato e la bellezza dello stile, moderno e leggibile. In seguito diventa una delle pianiste italiane più richieste a livello internazionale. Collabora regolarmente -spesso anche per registrazioni discografiche- con artisti europei e americani, fra cui Chet Baker, Jon Christensen, Palle Danielsson, Pino Daniele, Peter Erskine, Steve Grossman, Joe Henderson, Helène La Barrière, Joe Lovano, Charlie Mariano, Marilyn Mazur, Pat Metheny, Sal Nistico, Michel Portal, Enrico Rava, Dewey Redman, Aldo Romano, Kenny Wheeler, Norma Winstone. Nel 1987 viene votata come miglior nuovo talento nel referendum indetto dalla rivista “Musica Jazz”. Fra il 1988 e il 1989 fa parte stabilmente del gruppo di Billy Cobham, col quale partecipa a tournée in Europa e negli Stati Uniti. Nel 1988 si trasferisce in Svezia, dove ottiene eccellenti effermazioni in un ambiente di forti personalità musicali e di spiccata disposizione per la ricerca. Rientra in Italia nel 1992, e, fra il 1994 e il 1996, collabora con Pino Daniele in qualità di strumentista e arrangiatrice. Compone musica per la danza e il cinema, e collabora frequentemente con le coreografe Roberta Garrison, Maia Claire Garrison e Teri J. Weikel. Attualmente è attiva in varie formazioni, fra cui un trio a proprio nome, con Palle Danielsson e Bob Moses, il gruppo Concerto Grosso, comprendente fra gli altri Ambrogio Sparagna, Carlo Rizzo e Roberto Gatto, il gruppo Nauplìa, co-diretto con Maria Pia De Vito, il quartetto di Michel Benita, un duo con Roberto Gatto, il quintetto di Palle Danielsson, un quartetto con Charlie Mariano, Palle Danielsson e Marilyn Mazur, il quartetto di Dewey Redman. Con queste formazioni, ha effettuato tournée in Belgio, Danimarca, Francia, Germania, Gran Bretagna, Italia, Olanda, Polonia, Slovenia, Svezia e Svizzera, registrando anche diversi programmi radiofonici e televisivi. Nel 1996 si è esibita in duo con Pat Metheny al festival di Sanremo, ed ha preso parte ad un trio pianistico con Paul Bley e John Taylor al Teatro Olimpico di Vicenza.
Tenore statunitense e direttore musicale, specializzato nella musica del medioevo e del Rinascimento. Dopo molti anni vissuti a Köln, Germania, esibendosi e registrando musica a livello internazionale, è attualmente professore di canto all’Università dell’Oregon.
Marije Nie si può definire “musicista con i piedi”, essendo considerata una percussionista con l’energia di una ballerina. La sua formazione è caratterizzata da una tecnica precisa e il da ritmo travolgente. Queste caratteristiche, unitamente alla sua capacità improvvisativa la rendono una delle ballerine tip tap più versatili in europa. Nell’arco della sua carriera si è esibita con sinfonie di musica classica, gamelan Balinese, musica elettronica sperimentale, musicisti di New Dutch Swing, DJ, e tanti tipi di ballerini (contemporanei, hip hop, butoh). Lavora regolarmente con i più conosciuti musicisti dei paesi bassi, incluso Luc Houtkamp (vincitore del Boy Edgar Award 2005, un premio di jazz prestigioso), DJ DNA (Urban Dance Squad), Wolter Wierbos (trombone, ICP Orchestra), Rotterdam Philharmonic Orchestra ed i compositori Theo Loevendie e Maurice Horsthuis. Dirige il proprio gruppo Limoncella insieme alla cantante Dorona Alberti. Marije Nie si è esibita in Europa, USA, Asia ed Africa.
Nigel North ha preso la sua ispirazione musicale iniziale a 7 anni ascoltando il gruppo pop “The Shadows” Di seguito ha studiato il violino e la chitarra, ed ha scoperto il suo vero percorso nella vita, cioe’ il liuto, a quindici anni. Per piu’ di 30 anni, sviluppa una vita in musica che comprende attivita’ di insegnante, accompagnatore, solista, regista e scrittore. Ha pubblicato un tutor per il continuo (Faber 1987-) che rappresenta la sua passione per questo discorso. Ha registrato il set di 4 CD “Bach al liuto” per l’etichetta Linn Records. Forma l’ensemble Romanesca insiema a Andrew Manze (violino) e John Toll (clavicembalo e organo) Si sono esibiti per un periodo di 10 anni (1988-1998) suonando musica da camera dal 6 cento. Per piu’ fi 20 anni era professore di liuto presso il Guildhall School of Music and Drama, a Londra; dal 1993-1999 era Professore presso il Hochschule der Künste, Berlin; 2005-2207 era Lute Professor presso il Royal Conservatory a Den Haag , Paesi Bassi, e dal gennaio 1999 Nigel North e’ Professore di Liuto al Early Music Institute, Indiana University, Bloomington negli USA. Progetti recenti di registrazione includono “A Musical Banquet” di Robert Dowland con soprano, Monika Mauch, per l’etichetta ECM (2008), Lute Songs con il tenore Charles Daniels per ATMA (2007) e il Lute Music di Robert Johnson per Naxos (2010).
Julia Pond Una danzatrice Duncan della quarta generazione, è già solista e attualmente rappresentante internazionale della Isadora Duncan Dance Company a New York. Ms. Pond si è esibito nel repertorio Duncan sia negli USA che in Europa. Attualmente, Ms. Pond fa parte dell’Art Monastery Project dove coreografa e direttrice della programmazione, oltre a insegnare stage in Italia e gli Stati Uniti. Ha presentato la sua coreografia di recente a Basilea per lo spettacolo “Ave Hildegard” e a Roma al vernissage del Modigliani Institut a Palazzo Taverna. Nel 2009 presenta il primo assoluto dello spettacolo di musica barocca, danza contemporaneo e canto gregoriano La Clausura Sconfinata, per il quale fa regia ed ideazione.
Tim Rayborn vanta una carriera nella musica antica che dura oltre 18 anni. Suona tanti strumenti incluso liuto, flauto e percussione. Si e’ laureato presso la UNiversity of Leeds, lavorando allo stesso tempo come musicista. Si e’ esibito negli USA ed Europa con il gruppo inglese Tintagel e il suo proprio ensemble Florata (al Spitalfields Festival tra altri) Ha registrato oltre 29 CD per le etichette Gaudeamus, Wild Boar. He has given a number of performances for BBC (in the UK and Jersey), appeared on Belgian classical radio in a live concert broadcast, toured in Canada and Australia, and worked with folk musicians in Marrakech and Istanbul. In addition to his solo projects, he currently performs with Celtic harpist and storyteller Patrick Ball, recorder virtuoso Annette Bauer, award-winning Swedish folk musicians Dråm, Grammy-nominated vocalist Linda Tillery, Goth/Celtic rock band Pandemonaeon, and collaborates regularly with Shira Kammen. He has recorded to date on 29 CDs for a number of labels, including Gaudeamus, Wild Boar, Magnatune, Diaphonica, Octofoil, Osmosys, and Eventide Music Productions, as well as on recordings distributed by Nimbus and Harmonia Mundi.
Attore, autore e regista nato a Terni il 21/11/1968, compie i primi passi come attore teatrale giovanissimo interpretando nel tempo ruoli in diverse produzioni, sia teatrali che televisive, lavorando per registi e gruppi quali, Memè Perlini, Beppe Chierici, Paolo Baiocco (compagnia sole a scacchi), Mario Mearelli, Salvatore Maira, Cathy Marchand (living theater), Raffaele Mendez. Compie i propri studi universitari presso “la sapienza” di Roma dipartimento Arti e Scienze dello Spettacolo in cinema e teatro avendo l’occasione di frequentare i maggiori pedagoghi, italiani e non, di regia, drammaturgia e sceneggiatura quali: Eimuntas Nekrosius, Salvatore Maira, Josè Luis Sànchez Martin, Gabriele Lavia, Anne Marie Duget, Claudio de Maglio, Ferruccio Marotti, Flavio de Bernardinis, Clelia Falletti, Luciano Mariti. Rivolge i propri studi specialistici verso la messinscena del teatro greco, della commedia dell’arte, del teatro contemporaneo e dell’analisi del linguaggio cinematografico. Firma numerose regie di spettacoli di teatro e cortometraggi in diversi festival e manifestazioni internazionali. Collabora stabilmente con Enti locali e con scuole elementari, medie e superiori come referente di progetti riguardanti laboratori di produzione cortometraggi , analisi del linguaggio cinematografico e laboratori teatrali. Dal 2009 è direttore artistico dell’Ente Corsa all’anello di Narni. Attualmente collabora stabilmente con il gruppo di artisti internazionali “Art Monastery Project”
Candace Smith, cantante americana, ma residente in Europa dal 1975, si è specializzata nell’esecuzione della musica antica (presso la Schola Cantorum Basiliensis) e la musica contemporanea (classica e leggera). Vive in Italia dal 1978, dove è stata anche allieva e assistente della cantante Cathy Berberian. Nel 1994 si è diplomata presso l’Instituto Rabine per la Pedagogia Funzionale della Voce (Germania). E’ direttrice dell’ensemble Cappella Artemisia, il cui repertorio è la musica dei monasteri femminili italiani nel ‘500 e ‘600. (Cappella Artemisia ha inciso 6 CD per la casa discografica Tactus.) Ha tenuto numerosi corsi sull’uso della voce in Italia e all’estero, lavorando con cantanti di vari repertori, attori, insegnanti di educazione musicale e pazienti psichiatrici. Attualmente è docente di canto alla Bernstein School of Musical Theater di Bologna. La sua preparazione e i suoi interessi musicali eclettici hanno dato origine a un repertorio estremamente vario e e abbraccia la storia della musica dal medioevo fino a John Cage e oltre.
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